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34 secaranypénz óra és arany bár veretlen / arany érme párna
aranypénz óra és arany bár veretlen / arany érme párna
2211 mois0 -
1 min 18
Le D A 7 Faces - Parné Sur Roc - Location de salle - Mayenne
Location de salle 53260 Parné Sur Roc Mayenne Pays-de-la-Loire Merci d'informer la salle Le D A 7 Faces que vous l'avez connue par ABC Salles ! Cordonnées : Clotilde DEPARIS Téléphone : 0243980828 Adresse : Courcelle 53260 Parné sur Roc La salle Le D A 7 Faces est réferencée sur www.abcsalles.com Nous acceptons les événements professionnels Nous acceptons les évènements de particuliers Capacité maximale debout : 200 Capacité maximale assis : 200
2711 an0 -
24 min 30
Record of Lodoss War 01
Lodoss la isla maldita al sur del continente de Araycrust, donde en los albores de los tiempos los dioses se enfrentaron por su dominio. Nacida en la batalla y bautizada en el fuego ha visto guerras que la han arrasado durante miles de años. Ahora, un mal más allá que ninguno anterior se está despertando, y un grupo de seis se unen a la batalla por el futuro de todo lo que ellos quieren. Entre ellos: Parn, un joven aspirante a caballero que carece de experiencia y es conducido por su deseo de redimir el deslustrado nombre de su padre; Deedlit, una joven y altiva elfa que se siente atraida por el joven guerrero y, al mismo tiempo, le enfurece su falta de interés por ella en algunas ocasiones; Ghim, un aguerrido enano guerrero al que le persigue una deuda personal; Etoh, un joven monje; Slayn, un experimentado hechicero; y Woodchuck, un cínico pero de naturaleza buena ladrón. Seis que apenas se conocen entre ellos, que tendrán que aprender a compenetrarse con un sólo propósito, que están destinados a ser héroes que encontrarán enemigos y aliados más allá de toda imaginación.
2 4462 ans0 -
2 min 12
A 108 ans, Philibert est le nouveau doyen des Français
Philibert Parnasse est un guadeloupéen de 108 ans et 8 mois. D'une parfaite lucidité et doté d'une répartie facile. Portrait.
6 2782 ans0 -
1 min 04
Il Divo, de Paolo Sorrentino
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les Cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS: DIVINE COMEDIE Grand intendant d’un opéra rock dantesque et fantasmé, Paulo Sorrentino s’attaque avec Il Divo à la stature archétypale de Giulio Andreotti, pape des hautes sphères de la politique italienne de ces trente dernières années. Du jamais vu. C’est donc à voir. "Expliquer l’Italie aux étrangers n’est pas toujours facile. Chez nous, les trains les plus lents sont appelés «accélérés» et le quotidien Il Corriere Della Sera sort le matin », disait Giulio Andreotti. Mais quand il s’agit de leur expliquer qui est Andreotti, figure politique omnipotente durant des décennies, les étrangers peuvent perdre pied. Faut-il être italien pour apprécier toute la finesse d’Il Divo ? «Je ne pense pas. Il y a quelque chose d’universel dans cette fascination de tous pour ceux qui exercent le pouvoir », médite Toni Servillo, qui incarne avec subtilité Andreotti, Machiavel balayant les scandales qui l’éclaboussent d’un trait d’esprit. Celui que l’on a pu voir dans Gomorra collabore à nouveau avec le réalisateur Paolo Sorrentino, après Les Conséquences de l’amour. Une prestation baroque qui ne sombre jamais dans le trait grossier de la caricature. Sorrentino tourne un film historique en explosant à la dynamite les conventions du genre. Italie, mafia, Brigades Rouges, loge P2… On attend un film dans la veine de Cent jours à Palerme, on se retrouve avec une ouverture sanglante et clipée, sorte de scène d’exposition pour Ocean’s 14. «J’ai voulu filmer ce monde autarcique de la politique italienne avec les codes d’un opéra rock ou d’un film d’action pour ados », confesse Sorrentino. Exit donc le didactisme des nombreux films sur les « années de plomb » qui fleurissent en ce moment. Sorrentino prend des chemins de traverse pour crier la vaine fatuité du pouvoir politique. Dans le feu tourbillonnant des magouilles mensongères, les arcanes parlementaires font penser aux cercles concentriques de l’enfer de Dante Alighieri. Le poète a forgé la langue italienne ; Sorrentino repense le langage cinématographique transalpin avec une stupéfiante agilité. Etienne ROUILLON
5753 ans0 -
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1 min 48
Le Voyage aux Pyrénées, de Jean-Marie Larrieu et Arnaud Larrieu
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS Dans le prolongement du succès de Peindre ou faire l'amour, les frères Larrieu retrouvent Sabine Azéma et leurs Pyrénées natales, où ils avaient déjà tourné Un Homme, un vrai. Encore une histoire de désir ici, sous forme de comédie, un retour aux sources pour les cinéastes et un récit d'éloignement pour les personnages : un couple d'acteurs célèbres (Jean- Pierre Darroussin et Sabine Azéma) quitte Paris pour s'installer dans les Pyrénées. Pour monsieur, il s'agit surtout de mettre à l'écart des hommes madame, plutôt nymphomane... Léo SOESANTO
1933 ans0 -
2 min 16
The Visitor, de Thomas McCarthy
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS Un professeur solitaire s’aperçoit que son appartement new-yorkais est squatté par un couple de sans-papiers. D’abord décidé à les chasser, il accepte de les héberger et découvre un monde inconnu et attrayant, ainsi que l’injustice immanente et révoltante. Après The Station Agent, première oeuvre originale, qui rapprochait déjà des êtres que tout opposait, McCarthy livre un film plus convenu dans sa forme, mais très louable sur le fond : on ne répétera jamais assez la nécessité de s’ouvrir aux autres. Grand Prix du Jury au dernier festival de Deauville, The Visitor parle avec coeur de renaissance et d’engagement, d’amitié et d’amour. isabelle DANEL
1113 ans0 -
1 min 35
La Vie moderne, de Raymond Depardon
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS LONGUE VIE Complétant une trilogie entamée en 2001, La Vie moderne dresse le portrait intime d’un groupe peu représenté : les paysans de moyenne montagne. Dialogue avec son auteur, l’immense Raymond Depardon. Au mitan de La Vie Moderne, une scène frappe par sa puissance émotive. Face à la caméra de Raymond Depardon, un homme se tient, immobile, silencieux. De l’aveu même du réalisateur, ses traits évoquent ceux d’un chef Sioux, sa cinégénie celle d’un Jack Palance. Vêtements simples, décor de peu de choses, l’homme regarde un reportage sur la mort de l’Abbé Pierre. À ces images télévisées, babillardes et impersonnelles, s’opposent alors, dans notre esprit, celles du documentaire de Depardon, qui n’est qu’intimité, chaleur, langues lentement déliées. «Cet homme est le vieux garçon que j’aurais pu devenir si je n’avais quitté, à 16 ans, la ferme familiale », nous dit Depardon, aussi bonhomme et hospitalier, mais bien plus bavard, que les paysans auxquels il rend visite dans La Vie moderne. Une relation au long cours, commencée il y a plus de dix ans : «Filmer ces gens, c’est une manière de réaliser le documentaire que je n’ai pu faire sur mes parents. En un sens, il m’a fallu faire le tour du monde pour ne plus avoir honte de renouer avec mes origines paysannes. » La Vie moderne complète deux longs métrages de l’ex-reporter globe-trotteur : Profils paysans : l’approche (2001) et Profils paysans : le quotidien (2005). À sa manière humble, la trilogie enregistre les divers bouleversements opérés, loin du brouhaha urbain, dans ces fermes amies : décès, départs à la retraite, transmissions entre générations, renoncements, etc. Pour autant, La Vie moderne n’est pas un film de sociologue, mais de photographe : « L’influence des photographes américains, plus frontaux que les Français, m’a été précieuse. À leur contact, j’ai appris à faire l’équilibre entre le miroir et la fenêtre, c’est-à-dire entre l’empathie et le voyeurisme. » À partir du 21 novembre, la Fondation Cartier accueillera une installation vidéo de Raymond Depardon sur le thème de la « terre natale », appréhendée selon une perspective non plus intime, mais mondiale. Creuser le même sillon, en variant les angles d’approche : ce pourrait n’être qu’un legs paysan, cela ressemble à un art poétique. Auréliano TONET
9313 ans0 -
1 min 34
Stella, de Sylvie Verheyde
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La cirtique de TROIS COULEURS Pour son troisième long-métrage après Un Frère et Princesses, Sylvie Verheyde plonge dans la tête d'une enfant entre deux âges et deux milieux sociaux. Et évite avec délicatesse tous les écueils du genre. Fin des années 1970. Les parents de Stella, douze ans, tiennent un bar-hôtel dans un quartier ouvrier. Mais le hasard des affectations scolaires amène leur fille à faire son entrée en sixième dans un grand collège parisien. Choc de deux univers qui ne se rencontreront jamais vraiment et entre lesquels Stella va apprendre à naviguer seule. Stella est un film bouleversant, avec ce « pas grand-chose » qui fait le grand cinéma. Des plans fixes sur une enfant qui pleure en lisant Duras. Caméra à l'épaule pour les scènes dans le café, où des adultes avinés font régner la cacophonie. La petite Léora Barbara pose tour à tour son regard sur Benjamin Biolay, en père alcoolique terriblement attachant, Karole Rocher, sa mère perdue qui tente de surnager, et Guillaume Depardieu, le prince charmant du caniveau. Tout est juste dans le ressenti sans nécessiter d'explication, de verbalisation à outrance, d'insistance particulière. Stella n'est pas qu'un film de classes sociales. S’il s’articule autour du contraste entre le collège et le café – univers bourgeois contre milieu populaire –, il oppose également le monde des enfants à celui des adultes. Les deux amies de Stella, qu'il s'agisse de la bonne élève parisienne ou de la petite marginale ch’ti, font bloc avec elle pour affronter les situations hautement problématiques de cet âge qui n'est plus tout à fait l'enfance. Cinéaste sensible et talentueuse, Sylvie Verheyde parvient à retranscrire les sensations propres à cette période qui, par définition et peu importe le milieu d'origine, est faite de transformations. Par la grâce de la mise en scène, les émotions de chaque personnage affleurent, perçues à travers les yeux de Stella. Nous rappelant au passage qu'on n'était pas si différent(e) de cette élève à qui l’on ne parlait pas et qu'on n'invitait pas aux boums, cette cancre mal habillée du fond de la classe qui exaspérait les profs par son pouvoir d'inertie. _Titiou LECOQ
5793 ans0 -
2 min 19
Sparrow, de Johnnie To
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS; HAUT VOL Derrière le plumage stylisé plane la chronique du temps qui passe : Sparrow n’est pas qu’une comédie de pickpocket légère et virtuose. C’est aussi une tentative pour Johnnie To de tenir dans ses mains une ville, Hong-Kong, en sursis jusqu’à 2046. Le nouveau film de l’actuel roi de Hong- Kong, quelques mois seulement après le sombre Mad Detective, est une comédie nostalgique assez inhabituelle. Quatre amis pickpockets – des « moineaux » («sparrows » dans l’argot local) – tombent l’un après l’autre sous le charme d’une jeune Taïwanaise qui les prend pour des pigeons : ils l’aideront à récupérer le passeport que son riche époux enferme dans un coffre afin de la garder en cage. Qu’est-ce qui, dans ce scénario maigrissime, peut expliquer que To y voie l’un de ses plus personnels ? On situe Sparrow quelque part entre 2046 de Wong Kar-waï (en référence à la date à laquelle la ville sera totalement rétrocédée à la Chine) et Goodbye Dragon Inn de Tsaï Ming-liang (en référence à un film de sabre de King Hu projeté en dernière séance d’une salle qui s’apprête à fermer définitivement ses portes). To n’est bien sûr pas aussi sensualiste que le premier, pas aussi aride que le second. Mais il part d’une intention comparable : filmer des lieux bientôt démolis, anticiper une disparition. À Hong-Kong, on ne doit plus savoir si le temps coule trop vite ou trop doucement : s’il faut prendre 2046 comme une menace ou une chance. En attendant : suspense. To est connu pour sa mise en scène atmosphérique. C’est pour elle que beaucoup excusent la minceur des récits. Lorsque To a une histoire à raconter, le style fond : belle sécheresse d’Election. Lorsqu’il n’en a pas vraiment, la virtuosité s’affirme franchement. Mais cela ne frappe pourtant pas Exilés, PTU ou Sparrow de futilité car c’est là qu’incertitude et suspense prennent forme. L’apothéose sur un passage piéton bondé et arrosé par la pluie, où deux bandes s’affrontent sans éveiller les soupçons des passants, résume la belle ironie du cinéaste : jouer à être vu se cachant. En ces temps de crispation chinoise, on peut prendre ça comme un pied de nez. Antoine Thirion
1743 ans0 -
1 min 28
Rumba, de Bruno Romy, Fiona Gordon et Dominique Abel
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. L'histoire : Fiona et Dom sont instituteurs dans une école de campagne. Ils partagent une passion pour la danse latino et sont très amoureux. Les week-ends, ils écument les concours de danse régionaux. Leur maison regorge de trophées. Une nuit, de retour d'un concours, ils tentent d'éviter un suicidaire maladroit, planté au milieu de la route. Leur voiture s'écrabouille contre un mur. Et leur vie bascule... Voir l'interview des trois réalisateurs sur le blog de Trois Couleurs: http://www.mk2.com/troiscouleurs/index.php?post/2008/09/04/Interview-Rumba
7373 ans0 -
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1 min 25
Le Premier Venu, de Jacques Doillon
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS Sept ans après Carrément à l’Ouest, Jacques Doillon retrouve les jeux de l’amour et du hasard avec un chassé croisé de trois personnages un peu perdus. Camille, la vingtaine, décide d’aimer le premier venu. Costa, en l’occurrence, un voyou qui la rejette au départ, essayant de se racheter auprès de sa femme et de sa fille qu’il ne voit plus depuis trois ans. S’immisce Cyril, flic et ami d’enfance de Costa, intrigué par le comportement étrange de Camille. Mais quand la jeune fille prend l’initiative de trouver de l’argent pour aider la femme de Costa, la situation dérape dangereusement vers le fait divers. Les trois deviennent compagnons de déroute, se cherchent et se perdent à chaque fois un peu plus dans un rapport de force aussi violent qu’instable. Et leur vagabondage est tout autant sentimental : ils se tournent autour, s’attachent et se détachent, se confrontent pour mieux se retrouver. Un film plein de rivalité, de désir et de compassion. Camille Tenneson
1153 ans0 -
1 min 32
Louise Michel, de Benoît Delépine et Gustave Kervern
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULERS Des ouvrières mettent en commun leur prime de licenciement pour tuer leur patron. Louise Michel, le dernier film du duo grolandais Kervern-Delépine, est une comédie loufoque, en même temps qu’un road-movie politique réjouissant. Non, ceci n’est pas une biographie de Louise Michel, militante anarchiste et figure prolétarienne par excellence. Mais le vent qui souffle sur ce film est bel et bien celui du combat des faibles contre les forts. Du jour au lendemain, les ouvrières d’une usine textile se retrouvent sans outil de travail : leur patron a délocalisé l’entreprise en une nuit, leur laissant pour tout viatique 2000 euros chacune. Que faire avec cet argent ? Ouvrir une pizzeria ? Poser nues pour un calendrier ? Louise, la plus timide et la plus étrange d’entre elles, lance l’idée : engager un tueur pour faire la peau à leur ex-employeur. Louise se charge alors de trouver l’homme de la situation, et choisit Michel, charmant, grand coeur et irrémédiablement maladroit. Ils traqueront ensemble le fuyard capitaliste, du fin fond de la Picardie jusqu’à Jersey et son paradis fiscal, en passant par Bruxelles et ses sociétés sans âme (dans tous les sens du terme, social et économique). Comme dans Aaltra et Avida, leurs précédents longs métrages, les personnages qui intéressent Benoît Delépine et Gustave Kervern sont des laissés-pour-compte. Face à un monde outrageusement injuste, leurs héros décident de faire justice à leur façon. Ce road-movie politique et déjanté se double d’une fable loufoque au fur et à mesure que l’on découvre qui sont vraiment Louise et Michel : des êtres qui tentent d’affirmer leur singularité profonde, malgré l’enveloppe physique et la pression sociale. Grandes carcasses abritant des enfants fragiles, le couple Yolande Moreau-Bouli Lanners traverse le film avec une verve constamment insolite et hilarante. Et l’on se demande bien qui d’autre aurait pu faire passer la folie d’un scénario à ce point irrévérencieux, mêlant fêlures humaines et fracture sociale avec une inventivité bluffante. Isabelle DANEL
5463 ans0 -
1 min 44
L'Heure d'été, d'Olivier Assayas
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS Cinéaste du mouvement, Olivier Assayas signe l’un de ses plus beaux films avec l’Heure d’été. Sa chronique familiale élégante vibre au rythme des saisons et résonne des échos d’un monde en train de disparaître. Depuis quelques temps, le cinéma d’Olivier Assayas avait débordé les frontières et arpenté une société globalisée. Les récents Demonlover, Clean et Boarding Gate mettaient en scène des parcours individuels chaotiques où la perte de repères prévalait. Avec l’Heure d’été, le cinéaste reconduit cette problématique identitaire à une échelle locale. Adrienne (Juliette Binoche), Jérémie (Jérémie Rénier) et Frédéric (Charles Berling) se réunissent avec leurs enfants dans la maison de campagne familiale, à l’occasion de l’anniversaire de leur mère, Hélène (Edith Scob). La doyenne a consacré son existence à préserver le patrimoine de son oncle, le peintre Paul Berthier. Mais quelques mois plus tard elle décède, laissant une famille divisée face à un lourd héritage. Les pièces de collection seront finalement confiées au musée d’Orsay, privées de la lumière qui nimbait leur présence amicale dans la maison. A sa manière stylisée, L’Heure d’été enregistre les dernières palpitations d’un monde finissant, tout en interrogeant avec subtilité la relation complexe entre l’art et le musée, le deuil et la mémoire. Olivier Assayas, qui avait déjà observé finement une communauté dans le film voisin Fin août, début septembre, renoue avec un groupe, taraudé par la question de la transmission. Il le fait avec une grâce, un bonheur et une émotion contagieux. Climatique, son film épouse les tonalités des saisons et le rythme des corps qui les traversent. Selon un cycle naturel, la mélancolie cède le pas à l’énergie de la génération adolescente, dans le dernier segment d’un film intimiste et universel. Car ce que donne à voir L’Heure d’été, c’est ni plus ni moins le mouvement de la vie. Sandrine Marques
2183 ans0 -
1 min 40
Les Citronniers, d'Eran Riklis
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS Après La Fiancée syrienne, Eran Riklis poursuit sa réflexion sur la folie qui règne au Moyen-Orient en confrontant une veuve palestinienne, des arbres et un ministre israélien de la défense – une combinaison fatale. Le ministre emménage de l'autre côté du verger de Salma (Hiam Abbas) mais décide rapidement que ces arbres sont un refuge idéal pour les terroristes et que sa sécurité exige de les abattre. Salma, qui vit de la vente de ces citrons, va alors se pourvoir en justice. Si le résumé peut faire penser à une métaphore poétique de la situation de la région, Les Citronniers s’avère, en fin de compte, d'un réalisme et d'une cruauté dignes de Kafka. Titiou Lecoq
1463 ans0 -
2 min 09
L'Echange, de Clint Eastwood
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS Avec L’Échange, récit d’un rapt d’enfant inspiré d’un fait divers retentissant, Clint Eastwood joue la carte du mélo hollywoodien féministe. Une descente aux enfers efficace et violente, avec Angelina Jolie en mère-courage dans l’Amérique des années 1920. Clint Eastwood aime les femmes qui ont du cran. L’héroïne de L’Échange, Christine Collins (Angelina Jolie), standardiste à Los Angeles, ne fait pas exception. Eastwood et le scénariste de séries TV Michael Straczynski ont puisé dans les archives de la ville l’histoire de cette mère célibataire dont le jeune fils disparait un jour, et à qui l’on restitue un enfant qui n’est pas le sien. Cette tragédie familiale mériterait un scénario à elle seule ; elle n’installe que le premier volet de ce film à tiroirs. Le second y superpose la trajectoire d’un serial killer prédateur d’enfants. Habité par un clair-obscur à la Edward Hopper, le film puise toute sa vitalité dans la silhouette tendue d’Angelina Jolie. Si elle bascule en pilote automatique dans le dernier tiers, l’ample dramaturgie eastwoodienne ausculte auparavant les stratégies de contrôle qui s’exercent, de manière aussi institutionnelle qu’arbitraire, sur les plus démunis (femmes, enfants, classes populaires). La ville des anges, foyer infectieux de la Côte Ouest, abrite surtout une police minée par la corruption. « L.A. a été souvent glamourisée dans les films noirs, mais la réalité est plus intéressante à mes yeux », expliquait le cinéaste en septembre à New York. Faisant écho à certains thèmes forts de la dernière campagne présidentielle (dénonciation de la corruption de Washington, masculinité en crise, rôle vital du quatrième pouvoir, incarné par Malkovich), Eastwood revisite les fondamentaux de la démocratie américaine et montre combien la liberté est un mythe fragile face à la paix des ménages. Républicain devenu libertarien, longtemps apôtre du western viril, Eastwood est passé tardivement de la success story au féminin (Million Dollar Baby) à un double hommage à la mémoire (Mémoires de nos pères et Lettres d’Iwo Jima). Avec cette fin de carrière puissante à visage humain, Clint Eastwood semble prendre plaisir à subvertir la place qu’il s’était lui-même assigné sur le territoire du cinéma américain. Clémentine GALLOT
2143 ans0 -
1 min 26
Hunger, de Steve Mc Queen
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS Caméra d’or à Cannes cette année, Hunger de Steve McQueen évoque l’incarcération de Bobby Sands et de ses camarades activistes, membres de l’IRA. Dans cette oeuvre organique et claustrophobe, le corps est l’ultime arme de résistance… Remarquable premier long-métrage, Hunger est une plongée viscérale dans l’univers carcéral. Le décor labyrinthique de la prison de Maze Rfascine la caméra de Steve McQueen , au même titre que le corps des détenus. Par la force de sa mise en scène, le cadre circonscrit dans lequel évoluent les protagonistes est un prolongement de leurs corps entravés. Le réalisateur, qui nourrit son oeuvre choc de ses expérimentations de plasticien, installe entre ces deux instances un rapport d’équivalence charnelle. Véritable organisme vivant, avec ses cellules et ses couloirs comme des viscères, la prison s’incarne. Elle devient le lieu d’une expérience esthétique et politique. Pour protester contre les conditions indignes de leur détention et la non-reconnaissance par le gouvernement Thatcher de leur statut de prisonniers politiques, les membres de l’IRA entament une grève de l’hygiène. Ils déversent leur urine dans les couloirs, maculent les murs de matières fécales, composant des fresques qui rappellent l’art brut. La prison suinte par tous ses conduits et orifices. C’est par eux, encore, que la résistance s’organise à l’intérieur comme à l’extérieur. Cavités nasales, buccales et vaginales accueillent des messages et même une radio de fortune, remise en catimini au parloir. Mais face à l’inertie de l’État britannique, Bobby Sands décide de durcir l’action, en engageant sa vie. Il s’en explique à un prêtre dans un face à face qui forme l’épine dorsale du film. Long plan séquence de vingt minutes, ce pingpong verbal permet de confronter jusqu’à l’épuisement les arguments en faveur de la vie et de la mort. Dans son dernier tiers, le film suit l’agonie du personnage principal. Une prestation extrême pour l’impressionnant acteur Michael Fassbender, qui a perdu près de trente kilos pendant le tournage. Pour autant, Steve McQueen ne poursuit pas la performance. Sa démarche est celle d’un humaniste. Avec intelligence, il unit dans la même souffrance le destin des détenus et des matons, tous coincés dans une impasse. Sandrine MARQUES
2863 ans0 -
1 min 36
Frozen River, de Courtney Hunt
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS Thriller sombre et haletant ancré dans l’Amérique enneigée des plus pauvres, Frozen River s’articule autour d’une mère célibataire, seule maîtresse de son destin. Rencontre avec sa réalisatrice, Courtney Hunt. « Frozen », en anglais, signifie « glacé », « figé », « immobilisé ». À l’image de Ray, une mère de famille du Nord de l’État de New York, quittée par son mari à quelques jours de Noël. Sa rencontre avec Lila, jeune Mohawk de la réserve indienne toute proche, lui offre de nouvelles perspectives : faire illégalement passer des clandestins aux États-Unis, en les aidant à traverser la rivière gelée qui les sépare du Canada. La glace menace de céder à tout instant, mais Ray brave le danger, obnubilée par l’argent qui lui permettra d’acheter le mobil-home de ses rêves. « Ray est une victime du tout matérialiste, qui est à la fois une illusion de liberté et une profonde aliénation, nous confie Courtney Hunt, la réalisatrice. Elle est très seule, coupée du monde, et met du temps à comprendre que ces hommes qui défilent dans son coffre sont des êtres humains. » À l’image de Fargo des frères Coen ou Gloria de John Cassavetes, Frozen River met en scène des femmes qui luttent contre les éléments et sont rattrapées par la maternité. « J’aime beaucoup ces films où l’instinct maternel devient une aventure qui mérite d’être racontée. Ces metteurs en scène ont déblayé la route, je n’avais plus peur de m’y engager », commente la cinéaste, lauréate du Grand Prix du dernier festival de Sundance. Récompensée, quant à elle, par les prix d’interprétation des festivals de Saint-Sébastien et de Marrakech, Melissa Leo offre son visage marqué aux gros plans de la réalisatrice. Elle restitue à merveille l’ambivalence de son personnage, une mère attentionnée qui n’hésite pas à se servir d’une arme. Pour son premier long métrage, Courtney Hunt préfère le réalisme au spectaculaire, tant au niveau du scénario que de la mise en scène. Loin des clichés, elle n’oublie pas que « la vie est souvent moins tragique qu’une production hollywoodienne ». Juliette Reitzer
1023 ans0 -
1 min 36
Dernier Maquis, de Rabah Ameur-Zaïmeche
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS Dernier Maquis prolonge avec générosité le geste d’un artiste-réalisateur. À la manière d’un peintre, Rabah Ameur-Zaïmeche compose le tableau chaleureux d’un prolétariat qui a enfin droit de représentation, comme l’islam, religion rendue à sa réalité humaniste. Rencontre. Mao, un patron d’entreprise prosélyte, exhorte ses salariés à se convertir à l’islam. Il ouvre une mosquée et désigne d’autorité l’imam. La révolte gronde parmi les ouvriers exclus de la concertation, que complique davantage leur situation économique précaire. Ils se mettent en grève. Mao est interprété par le cinéaste, qui jouit d’une position privilégiée au sein du dispositif : «Le fait d’être le metteur en scène et le chef du plateau, au centre des rapports de production d’une petite entreprise de réparation de palettes, m’a facilité la tâche et permis d’interpréter plus facilement le rôle d’un patron si complexe. Ce qui le caractérise, c’est son humanité. Son regard devient rapidement celui du spectateur. » Ce même spectateur trouve sa position au sein du tableau sensuel que compose le réalisateur : «Dans Dernier Maquis, la caméra a été utilisée comme un pinceau usant de couleurs primitives, quand dans Bled Number One, mon précédent film, elle était un instrument de musique. » De ce jeu d’écho entre la palette du peintre et celles qui servent à transporter des marchandises, Rabah Ameur- Zaïmeche tire un film où le décor rudimentaire – une zone industrielle délabrée – s’enrichit d’une dimension symbolique : «Le mur de palettes est percé de trous, la lumière déborde de partout, pour signifier que par-dessus les conflits et les oppositions, il y aura toujours une possibilité pour chacun d’entre nous de se réunir, de se comprendre. » Autre enclave – peut-être le «dernier maquis» du titre : le prolétariat « exclu du processus démocratique » qu’est soucieux de représenter l’auteur. À sa manière douce, le film lutte encore contre la stigmatisation de l’islam, «une religion sécularisée par ce prolétariat français, souvent laissé de côté, méprisé, isolé, exclu. » Rabah Ameur-Zaïmeche réussit son pari audacieux par la grâce d’une dérision burlesque qui traverse avec discrétion tout son film. Sandrine MARQUES
1773 ans0 -
1 min 49
A bord du Darjeeling Limited, de Wes Anderson
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS Retour haut en couleurs pour Wes Anderson : après La Vie aquatique en 2005, le jeune loup du cinéma indépendant américain signe une tragi-comédie échevelée en Inde, À bord du Darjeeling Limited, son cinquième long métrage. Peter (Adrien Brody) et Jack (Jason Schwartzman) s’embarquent à bord d’un train qui traverse l’Inde, le Darjeeling Limited, à l’initiative de leur frangin Francis (Owen Wilson), une andouille en crise métaphysique. Les trois bêtas, lancés bon gré mal gré à la poursuite de leur mère (Angelica Huston), recluse dans un sommet himalayen, sont symboliquement encombrés de l’héritage paternel sous forme de lourdes valises à trimbaler. En plus de cette quête familiale, Jack, Peter et Francis accomplissent ensemble le simulacre d’un voyage mystique, au postulat néo-New Age : il faut renouer les liens familiaux distendus. La spiritualité frelatée de cette entreprise n’échappe pas à Peter et Jack, qui s’exécutent avec plus ou moins de bonne volonté. Au delà de cette intrigue délirante, l’apparition fugitive de Bill Murray en personnage de cinéma muet dans la première scène, ainsi que la bande-son élégiaque des Kinks alimentent une certaine mélancolie. Les trois frères, à l’étroit dans leur wagon et engoncés dans leur costume de touristes américains, composent un univers miniature qui fait écho à l’esprit volatile des films précédents de Wes Anderson. À bord du Darjeeling Limited repose sur une réécriture de motifs et une syntaxe visuelle méticuleuse qui composent habituellement la substance de ses films : les personnages du clan Anderson, en crise plus ou moins déclarée, diversement frustrés, peinant à sortir de l’adolescence, semblent condamnés à incarner sous des formes variées les dynamiques de la famille américaine dysfonctionnelle. Maniaque, absurde, claustrophobe : le cinéma de Wes Anderson s’inscrit contre le conformisme et les forces normalisatrices de la société américaine. Clémentine GALLOT
1483 ans0 -
1 min 54
Un conte de Noël, d'Arnaud Desplechin
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS; En compétition à Cannes, Un Conte de Noël – sous-titré Roubaix ! – pourrait bien être le film-somme d’Arnaud Desplechin. Liens et maladie du sang irriguent un récit organique, où le jeu tient le devant de la scène. Brillant. "Si vous gagnez, vous gagnez tout ; si vous perdez, vous ne perdez rien », écrivait Pascal dans Les Pensées. C’est sur la base de ce célèbre pari que s’articule Un Conte de Noël, un film de famille doublé d’un thriller scientifique. Les spéculations se cristallisent autour de Junon, interprétée par Catherine Deneuve, mère intransigeante au nom de déesse. Atteinte d’une maladie du sang très rare, mais encore au stade larvaire, sa survie dépend d’une greffe de moelle. Le donneur doit être un parent ou descendant direct. Enfants et petits-enfants font les tests de compatibilité. Après des années de division, tous se retrouvent pour les fêtes dans la grande demeure familiale de Roubaix. Henri (Mathieu Amalric) a été banni de la famille quelques années auparavant par sa soeur Elizabeth (Anne Consigny), excédée par ses frasques. Yvan (Melvil Poupaud), le benjamin, mène une vie rangée aux côtés de son épouse Sylvia (Chiara Mastroianni) et de ses deux enfants. Le soir de Noël, tous se transforment et se révèlent. À commencer par la ville de Roubaix, sublimée par la caméra du cinéaste. Au cours d’un réveillon aux allures de farce burlesque, les conflits se dénouent. C’est la force de Desplechin que de faire cohabiter dans une même scène les contraires : le drame et le rire, la vie et la mort, l’amour et la haine. Fluide et inspiré, Un Conte de Noël est une chambre d’échos qui résonne de tous les films de son auteur, en même temps qu’un théâtre de chambre où s’exacerbent les passions et les tourments. Mais en premier lieu, Un Conte de Noël est un pari généreux sur la vie, un miracle de cinéma, un potlatch bienheureux. Sandrine Marques.
2793 ans0 -
2 min 17
Burn After Reading des frères Cohen
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. La critique de TROIS COULEURS; Après le sombre et oscarisé No Country for Old Men, les frères Coen s’accordent une récréation avec des stars déchaînées via cette comédie loufoque d’espionnage, plus nihiliste qu’il n’y paraît. Ce film s’autodétruira après vision. Comme pour s’excuser de nous avoir donné un grand film maléfique (No Country for Old Men), les frères Coen reviennent à leur veine vacharde et comique avec Burn After Reading. Souvent chez eux, l’appât du gain, un mauvais coup allument la mèche et soufflent le désastre sur les protagonistes. Ici, un disque, contenant les mémoires d’un espion, tombe entre les mains d’un employé de salle de sports, qui se met en tête de faire chanter l’agent. La trame est vite prétexte à un déchaînement de grimaces et d’évènements improbables, la particularité de tout ce beau monde étant d’être très stupide. C’est un plaisir de voir ces stars rivaliser d’idiotie cartoonesque : John Malkovich, en ensemble peignoir-hachette ; l’éthérée Tilda Swinton, qui maltraite encore – après Michael Clayton – George Clooney, qui lui-même joue à Dumb & Dumber avec Brad Pitt, envoyant valdinguer glamour, cool et expresso. Une récréation sans conséquence ? Certes moins tragi-comique que Fargo, plus antipathique que The Big Lebowski (il n’y a aucun personnage positif), Burn After Reading est habité par un nihilisme qui n’a rien à envier à celui de No Country for Old Men (les deux scripts furent écrits en même temps). Javier Bardem y incarnait le mal qu’on ne peut arrêter. C’est ici la stupidité qui est virale, se répandant dans les clubs de gym et les couloirs de la CIA. Une misanthropie voisine de Kubrick, auquel les Coen font référence. Le jeu de massacre y devient aussi hypnotique et terrifiant que le hula hoop de Tim Robbins dans Le Grand Saut. Une spirale engloutissant tout, mue par l’énergie du désespoir, avec au centre un vide, tant moral que de sens. « Faites-moi un rapport quand vous comprendrez quelque chose », ordonne le chef médusé de la CIA. Il peut toujours attendre. À l’université, Ethan Coen avait écrit une thèse très sérieuse sur Wittgenstein, le philosophe qui avait postulé que « toutes les propositions de logique disent cependant la même chose, à savoir rien ». Sans doute la clé de l’oeuvre des frères Coen. _Léo SOESANTO
4323 ans0 -
1 min 40
La Belle Personne, de Christophe Honoré
Festival 3 Couleurs : du 25 au 31 mars, les meilleurs films que vous avez manqués pour seulement 3€, dans les cinémas MK2 Beaubourg, MK2 Parnasse et MK2 Quai de Seine. L'histoire : Junie, seize ans, change de lycée en cours d'année suite à la mort de sa mère. Elle intègre une nouvelle classe dont fait partie son cousin Matthias. Il devient son ambassadeur auprès de sa bande d'amis. Junie est vite courtisée par les garçons du groupe, elle consent à devenir la fiancée du plus calme d'entre eux, Otto. Mais bientôt, elle sera confrontée au grand amour, celui de Nemours, son professeur d'italien. La passion qui naît entre eux sera vouée à l'échec. Ne voulant pas céder à ses sentiments, Junie s'obstine à refuser le bonheur, car il n'est à ses yeux qu'une illusion. Lire l'interveiw du réalisateur sur le blog de Trois Couleurs: http://www.mk2.com/troiscouleurs/index.php?post/2009/03/02/Interview-Christophe-Honore Lire le portrait de Léa Seydoux sur le blog Trois Couleurs: http://www.mk2.com/troiscouleurs/index.php?post/2009/03/02/Portrait-Lea-Seydoux
3613 ans0
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